La música en los videojuegos a pesar de que a veces no se
le da importancia, es uno de los factores que más influyen en un videojuego, ya
que el videojuego no es solo visual si no también auditivo, en los videojuegos incluimos muchas ciencias,
y a la vez artes. Y en este articulo, mostrare la importancia del arte de la
música en los videojuegos.
La música es utilizada para
complementar diversos tipos de situaciones en diferentes campos de trabajo,
desde comerciales o spots informativos, hasta series
televisivas, documentales y películas.
Entre todas estas actividades,
la producción de música para videojuegos ha crecido exponencialmente, en un
principio con sonidos, instrumentos y efectos muy limitados por la tecnología.
A finales de la década de los 70 y principios de los 80, los primeros juegos
con música aparecen en títulos como el legendario Pac-Man.
En ese entonces todo el sonido
debía ser programado y el trabajo musical debía ser realizado por el
programador, sin importar que tuviera o no algún conocimiento de música. La
principal carencia para poder realizar la música de estos videojuegos era que
sólo se podían utilizar dos canales para el sonido del juego, lo que
significaba que si uno de los canales se utilizaba para los efectos de sonido,
el otro debía ser utilizado para la música, por lo cual tendría que ser
monofónica o, en su defecto, manejando únicamente dos diferentes sonidos a un
mismo tiempo, tomando en cuenta que para esto deberían utilizarse ambos
canales.
Con la salida del Famicom (Nintendo)
y su innovación de 6 canales de sonido, la musicalización de un videojuego se
convertiría en un trabajo más profesional que involucraría a músicos de
profesión, específicamente dedicados a eso. Uno de ellos, del que hasta la
fecha se sigue utilizando su trabajo y que ha dejado una huella profunda en
multitud de aficionados a los videojuegos a través de los años, es KojiKondo,
el creador de la música de juegos como Super Mario Bros
y el clásico The Legend of Zelda, cuya música se encuentra ya
en el inconsciente colectivo de la gente que creció durante las décadas de
los 80 y 90.
Con el avance tecnológico, la
música en los videojuegos se convierte en algo de vital importancia para el éxito
de los mismos y para su mayor comercialización. Más allá de quedarnos con la
idea base de los típicos “soniditos” que escuchábamos en las consolas de
primera, segunda y tercera generación (Atari, Nintendo, Super Nintendo), la
música de los videojuegos ha escapado de la consola misma para posicionarse
como un género musical independiente y altamente consumido por millones de
personas alrededor del mundo.
Quizá el mejor ejemplo de esto
es el caso de la música del afamado compositor japonés NobuoUematsu, creador de
la música de la saga Final Fantasy desde 1987 a la fecha. Su
obra se encuentra en varias decenas de discos, DVD’s, recopilaciones, etcétera;
siendo interpretado en varios países y de muy diversas maneras, desde versiones
orquestadas, celta, rock, metal, bossa nova e incluso mambo.
Así como él, son muchos los
compositores que han sido impulsados por la industria del videojuego y que
ahora son mundialmente reconocidos. Tal es el caso de AkiraYamaoka, compositor
de la música de Silent Hill y del soundtrack del
filme del mismo nombre.
Para mí la música en un videojuego es algo muy
importante. Hasta cierto punto, a veces es la que aporta la emotividad a las
escenas, nos acompaña mientras paseamos por bastos escenarios en muchos juegos,
nos hacen emocionarnos en ciertos momentos de un videojuego, nos recuerdan los
grandes momentos que pasamos delante del videojuego en cuestión o simplemente
nos invitan a jugar a algún juego, al escuchar su banda sonora. Aunque a veces,
una mala banda sonora, nos hace odiar ciertas partes de un juego o simplemente
apagar el sonido o bajar el volumen a esta, perdiendo para mí, la mitad de un
videojuego.
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